「『Salon Des Amateurs』と同時期に『Foreign Landscapes』という10ピースのクラシカルな楽曲から成る作品を制作していたのですが、クラシックの比重が大きくなっていることが気になっていました。そちらばかりに偏重するのが怖かったんですね。もっとインディ・ミュージック寄りに戻った作品を作りたいと考える中で、最適だと感じたのがドラマーとのセッションでラウドな作風にする方法だったんです。元々ダンス・ミュージックや、ステージダイヴが起こるようなフィジカルな音楽が大好きなのですが、ピアノという楽器、またそれを演奏するという行為はフォーマルな印象が強いものです。そのような私の両面を、バランス良く楽曲に持ち込みたかったということもありますね」

　「そうかもしれませんね。私はピアノを単なる楽器というよりも、サンプラーのようなものとして捉えています。鍵盤は1本につき1音出るわけですから、パッドに近い感覚ですね。その場その場にある私なりのサンプル・ライブラリーから音を選ぶことができる便利なサンプラーです。しかもアコースティックなサウンドというのは、キーボードや既製のサンプル・ライブラリーのように必ず同じ音が出るものと違い、環境によって移ろいます。私はそこに大きな可能性を感じているんです。実にモダンだと考えます」

　「その通りです。実験室のようなものですね。ランダムなサウンドやアクシデントは新しい方向性の発見に欠かすことが出来ません。それに、そのほうが楽しいでしょう？」

　「そうですね。もちろん、フルクサスの影響を受けてはいるんです。私の住むデュッセルドルフにある芸術アカデミーではかつて、Nam June Paik（ナムジュン・パイク）やJoseph Beuys（ヨーゼフ・ボイス）をはじめとするフルクサスの重要なアーティストたちが教鞭を執っていましたからね。ただ、フルクサスは非常に強固なアティテュードを持っています。そこが良さであり、好きな部分でもあるのですが、私はもっとポップ・ミュージックやエンターテインメントとコネクトできる表現方法を求めたんです。キッチンでも聴けるような、楽しいものを。私自身、料理をしている時にはフルクサスの音楽を聴きたいとは思いませんし。そういった場合、実際Snoop Dogg（スヌープ・ドッグ）のほうが好ましい（笑）。それに、プリペアド・ピアノの原点はダンス・ミュージックにあるんですよ。とあるダンス作品のために作曲を依頼されたJohn Cage（ジョン・ケージ）は、当初ピアノとドラムキットを用いることを想定していましたが、公演会場にはドラムキットを設置するスペースが存在しませんでした。そこで彼はピアノにドラムキットを兼ねさせる術を編み出したのです。プリペアド・ピアノはそういう必要性から生まれたものだったんですよ。私も同じく、必要性からプリペアド・ピアノを用いています。私の場合、公演会場にラップトップを持ち込みたくないという理由からですが（笑）」

　「いえ。私は薬剤師になりたかったので、デュッセルドルフから電車で20分ほど離れたケルンの大学で薬学を学んでいました。アルバムのテーマとなっているサロン “Salon Des Amateurs”はKREIDLER（クライトラー）というバンドのメンバーや学生たちが運営しているのですが、彼らの中にはアカデミーでBernd Becher（ベルント・ベッヒャー）やGerhard Richter（ゲルハルト・リヒター）の講義を受けた人が大勢いますよ。そしてBecherやRichterもかつてはアカデミーの生徒でした」

　「クラウトロックの存在はデュッセルドルフにとって重要です。素晴らしいバンドがたくさん生まれていますからね。NEU!（ノイ）やLA DUSSELDORF（ラ・デュッセルドルフ）、KRAFTWERK（クラフトワーク）はこの街の出身です。KREIDLERもCAN（カン）やCLUSTER（クラスター）のエクスペリメンタルな部分を受け継いだニュー・ジェネレーションのクラウトロックと言えます」

　「そうですね。Steve Reich（スティーヴ・ライヒ）のようなミニマリストからの影響もありますし。先人たちが残したものを学ぶのは大事なことです。ただ、ドイツの人々は……もしかしたら日本でもそうなのかもしれませんが……古い文化を尊重し過ぎる傾向にあります。クラシックで言えば、ベートーヴェンやバッハといった100年、200年以上も昔に亡くなった人物ばかりが重要視され、新しいコンポーザーに光が当たらないというように。先ほどお話した“Salon Des Amateurs”という場所は、様々な世代のコンポーザー、小説家、映像作家などが集い、相互作用で新しいものを見出そうとしています。先人から学んだことを踏まえながら、その先に進むということが大切なんです。カテゴリー間のボーダーを越えようとしている点も重要ですね。現在のドイツは、ちょっとラジオを聞けば分りますが、ひとつのカテゴリーにだけフィットするように作られた音楽ばかり。これは悪い状況です」

　「もちろん！彼は良いピアニストです。私がデュッセルドルフで開催したピアノのフェスティヴァルに招いて、ステージを共にしたこともありますよ。それから、Peter Broderick（ピーター・ブロデリック）と一緒に日本を訪れたこともあるNils Frahm（ニルス・フラム）も良いですね。そのほかにも若く、素晴らしい才能の持ち主が大勢います。しかし、私が若いアーティストを見ていて思うのは、ラフネスが足りないということ。もっとグランジーでも良いというか（笑）。失敗を恐れているように見えるんですね。失敗を気にし過ぎるとエッジが消えてフラットになりがちですし、はまった型から出られなくなってしまいます。若いアーティストにはもっと勇気を持って、さらに一歩踏み出してほしい。キンタマ付いてるとこ見せろ！という感じですね。あはは（笑）。受けた影響が見えなくなるくらいに自分を曝け出して演奏してもらいたいです。そのほうが聴き手の想像を掻き立てるものになるんですよ」

　「ありがとう。それは恐らく、私の音楽が完璧ではなく、隙間だらけの壊れ物だからでしょう。時折ソリッドなパートが現れますが、それもまたいつしか壊れます。完全ではないからこそ素晴らしく感じるということってありますからね」

　「まさしく。私は常に自分を偽らず曝け出していますから。ステージでも、日常でも」

　「そうかな。あはは（笑）。私も昔は、自分を居心地の悪い、窮屈な型に無理矢理押し込めようとしていた時期がありました。でも、その型を外してみた途端、まず “自分自身とコネクトする”という感覚を味わったんですね。それ以来、他人とも更にダイレクトにコネクトできるようになりました。相手がどんな人物であろうと関係はありません。すごいことでしょう？表面を装っていては、その先に行くことは決してできないんです。私の音楽を聴いてくれている皆さんにも、その感覚が伝われば嬉しいですね」