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長らく入手困難だった菊地雅章『マトリックス』がハイレゾで登場！文／國枝志郎
ジャズ・ピアニスト、ハクエイ・キムの、2011年の『ブレイク・ジ・アイス』以来じつに6年ぶりとなるソロ・アルバム。関連のアルバムでは、『ブレイク・ジ・アイス』と、自身のピアノ・トリオによる『Trisonique（トライソニーク）』（2010年）がハイレゾ（192kHz/24bit）で配信されており、2018年新年早々にリリースとなった最新ソロも同スペックでの配信が実現したことはほんとうに喜ばしいお年玉となった。ちなみに、『Trisonique』は192kHz/24bit録音からアナログマスター（1/2インチ）にトラックダウン、『ブレイク・ジ・アイス』は192kHz/24bitとDSDをパラで録音、SACD（シングルレイヤー）もリリースされていたというくらいで、彼の作品はハイレゾ的に見ても早くから注目されていたのである。その透徹した美しいピアノの音色はハイレゾにこそふさわしい、と見抜いていたスタッフにも拍手を送りたい。今後可能であればDSDの配信も視野に入れていただきたいところではある。新作のフィジカル・リリースはSHM-CDのみで、SACDのリリースはどうも今のところ発表されていないので……。さて、新作は自作が8曲（トライソニークの再演もあり）、そのほかスタンダード・ナンバーやカヴァー（ジョン・マクラフリンによるマハヴィシュヌ・オーケストラのナンバーも！）などで構成されており、またピアノだけではなく、トライソニークのアルバム『ボーダレス・アワー』（残念ながらハイレゾ未配信）でも使われていたネオヴィコード（神奈川工科大学の研究チームが開発した電子鍵盤楽器）やモーグのアナログ・シンセサイザーが使われたナンバー（アルバム・タイトルの『レゾナンス』は、このモーグ・シンセサイザーにちなんでいるとのこと）がアルバムに彩りを添えているほか、自作の「ホワイト・フォレスト」が2ヴァージョン収録されるなど、きわめてヴァラエティに富んだ作品となっている。
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ハイレゾの醍醐味のひとつは，古い録音の復刻／リマスタリングによる、LPやCDでは味わえなかった高音質で音楽が現代によみがえることだが、レコード・ショップのオーナー（universoundsの尾川雄介氏）の音頭取りによって10年以上前から続いているレコード会社をまたいだ“隠れた名盤”の復刻プロジェクト“DEEP JAZZ REALITY”から、初のハイレゾ・リリースが実現したことは喜ばしい事件といっていいものだ。ビクターからのフィジカル・リリース（紙ジャケット、SHM-CD仕様）となった3タイトルは、それぞれオリジナルは70年代初頭に発表されたLP作品で、これまで未CD化のためなかなか聴くのが難しかった作品ばかり。サクソフォーンの峰厚介『ダグリ』（1973年）、トランペットの大野俊三『フォールター・アウト』（1972年）は、それぞれ発表後に渡米し、さらなる新境地を切り拓く契機となった作品として、今も新鮮に聴けるアルバムだが、やはりここでの目玉は“プーさん”の愛称で知られるピアニスト、菊地雅章の1969年作『マトリックス』だ。もともとは“ビクター・モダン・ジャズ・セクステット”名義でリリースされたものであり、77年にはアメリカのカタリストから“MASABUMI KIKUCHI SEXTET”名義でリリースされ、81年のCBS（現SONY MUSIC）からの名盤『ススト』に先駆けてプーさんのアメリカ・デビュー作となったのが本作である。そもそもこのアルバムはプーさんの生前は再発がNGとされていたもので、没年の2015年に一度だけアナログ・レコードのリイシューが行なわれている。今回、やっとCDとハイレゾという、この素晴らしい音楽に見合うリリースが実現したという事実は、ほんとうに関係者各位の熱意と愛情があってこそだ。渡辺貞夫作「スカイ・ウォズ・フォーリング」でのめずらしいハープシコードの繊細なサウンドはハイレゾでぜひ楽しんでいただきたいし、3ホーンズの絶妙な倍音はまさにここで初めて真価が聴けたと言っても過言ではないだろう。
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イギリスはジャズ大国であり、しかもイギリスらしくいろいろなエレメンツを吸収したハイブリッドなジャズを演るミュージシャンがごろごろいるいっぽうでそういうミュージシャン同士をつなぐハブのような役目を持つDJもまた多い国である。日本でも有名なジャイルス・ピーターソンはそうしたDJの筆頭といえる存在だ。Hello Skinnyのセカンド・アルバムはそのジャイルスが主宰するレーベル、ブラウンズウッド・レコーディングスからのリリースとなったことでよりいっそう注目されるに至ったものであることは間違いない。当欄で扱う同レーベルからの作品は UKベース・カルチャーの申し子Malaの『Mirrors』以来のものだが、今回紹介するHello Skinnyのアルバムもそれに劣らず衝撃的で多くの音楽好きに聴いてもらいたい作品といえるだろう。Hello Skinnyはドラマーのトム・スキナーによる個人プロジェクトであり、Owiny Sigoma BandやSons Of Kemetという複数のユニットのメンバーとして活躍しながら、セッション・ドラマーとしてマシュー・ハーバートやジョニー・グリーンウッド（レディオヘッド）など多数のミュージシャンと交流するトムの実験的なソロ・ユニットである。彼が関わってきた広範囲な音楽ジャンルの横断は当然として、このユニットはさらに“ダンサブル”こそがキーワードとなっている。もともと実験的な音楽とダンスを有機的に結びつける作業を繰り返した故アーサー・ラッセルのコラボレーターだったトロンボーン・プレイヤー、ピーター・ズムモがこのアルバムにおおいに関わっているということも重要だ。Hello Skinnyの音楽は間違いなく（少なくともその一部は）アーサー・ラッセルのダイナソーLの「Go Bang!」の世界を敷衍したものであり、エクスペリメンタルでありながらフィジカルであろうとする音楽はヘッド・ミュージックとフィジカル・ミュージックを自在に行き来する。黒光りする太いボトム、飛翔する管楽器のハイノートをハイレゾ（44.1kHz/24bit）で堪能してほしい。
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今回はハクエイ・キムと並んでピアノ・ソロ作品をふたつ取り上げたが、どちらの作品もジャンルは違うものの、“ピアノ”というきわめてポピュラーな（つまり、ほとんどの人が“ピアノ”と言えばすぐにその音をイメージできるような）サウンドを持った楽器でも、これだけ違うサウンド、表現ができるということを感じさせてくれるアルバムということができる。しかもどちらもハイレゾなのでよりはっきりと響きの違いを感じながらそれぞれの表現を楽しめるのもまたこの時代ならではのことと言えるかもしれない。和楽器とのアンサンブル、HIDE×HIDE（尺八：石垣秀基、中棹三味線：尾上秀樹）やソロで演奏するほか、作曲や編曲も多く手掛けるワキマル・ジュンイチの『Piano Music & Chamber Music』（2011年）『Piano+』（2016年）に続くサード・アルバム『Aeolian piano』は、東京は神楽坂にある“響きにこだわる”ライヴハウス、The Gleeで、1925年製スタインウェイを使ってレコーディングされたもの。The Gleeはレーベルの名前でもあり、ここからは高品位なハイレゾ音源も多数リリースされている。その中でもこのワキマル・ジュンイチの静謐な作品集は特筆すべき音楽体験を聴き手にもたらしてくれるものとなっている。タイトルの『Aeolian piano』は、“風で鳴るハープ＝エオリアン・ハープ（ピアノの詩人ショパンにもこの愛称を持つ有名なエチュードがある）”を想起させるタイトルだが、それは「サスティン・ペダルの持続音を主体としたサウンド」という本作の作風を表したものとも言えそうな、はかなげで美しい即興作品集だ。ハイレゾ（96kHz/24bit）で、響きが消えていく間際のかすかな響きに耳を傾けていただきたい。
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今月は期せずして静謐でアンビエントを主に聴かせる作品が多くなってしまったのだが、ハイレゾ環境だとそういう作品の素晴らしさがいっそうひきたつのも事実なので、ぜひこの機会に耳にしていただきたいと思う。ここで紹介するLocust Toyboxは、イギリスのアーティスト、デイヴィッド・ファース（David Firth）によるプロジェクト。1983年生まれのファースはアニメーターであり、作家であり、俳優であり、声優であり、映画監督であり、ビデオ・アーティストでもありながらまたミュージシャンでもあるという（笑）。いや、（笑）などと書いたらこの多彩な才能に失礼かな。音楽面で言えば、彼はエイフェックス・ツインのファンを公言しており、エイフェックス・ツインの「ミルクマン」のビデオ・クリップを手掛けてもいるし、ミュージシャンとしてもこのLocust Toyboxのほか、I'm the Manager、Grape Digging Sharon Fruits、Stegosaurus Trapなどといったユニットで多くのサイケでエレクトロニックな音源を発表している活動的なアーティストなのである。Locust Toyboxとしては2002年の最初のリリース以来本作でなんと13枚目のリリースとなるというから、非常な多作家なのだ。彼自身、自分の音源は自分が作る映像作品のサウンドトラックに多くを転用しているとのことで、実際この新作もきわめて映像フレンドリーな感じの電子音響作品となっていて、シンセサイザーだけでなく、ヴォーカルの多重録音も生かしたロウな感触のサウンドがハイレゾ（44.1kHz/24bit）にふさわしい。このアルバムのリリース元はフライング・ロータスが主宰するブレインフィーダーで、このリリースはこの多彩な才能への人々の注目を集めるものになる予感がある（ちなみにファースはフライング・ロータスの「Ready Err Not」の映像を監督しているほか、フライング・ロータスが監督したホラー・コメディ『Kuso』に作家および俳優として参加している）。
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ダニエレ・ガッティ指揮RCOの整頓され制御された“春祭”にびっくり文／長谷川教通
RCO（ロイヤル・コンセルトヘボウ管弦楽団）の音色は世界最高といわれるが、それはホールをも含めた響きに違いない。2016/17年のシーズンから本格的な活動に入ったダニエレ・ガッティだが、じつはマリス・ヤンソンスの後任がなぜガッティなのか、正直言ってその意図を測りかねていた。もちろん以前から客演指揮者として高い評価を受けてきたとはいえ、これは大きな路線変更なのだろうか。
そこで「春の祭典」だ。まず聴いてびっくり。不協和音や複雑な変拍子が作り出す暴力的なリズムとダイナミック……などという先入観がいっぺんに吹き飛ばされてしまう。みごとなまでに整頓され、練り上げられたサウンド。聴き手を圧倒する音圧や耳をつんざくような鋭い高音、唸りを上げるグランカッサのアタックは猛烈で、オーケストラが一体となって繰り出してくる音の迫力には何の不足もない。ところが、それぞれのパートは周到に制御され、粗さや不快な濁りはていねいに抑え込まれており、不況和音までが美しい。特筆すべきは弱音の描写の明確さで、そのことによって“春祭”の構造がクッキリと見えてくる。必要以上に煽り立てたり暴力的な音のマスで勝負するのではなく、ストラヴィンスキーの書いた音の構造を精緻なアンサンブルで描き出すこと。RCOが培った世界最高峰の響きを継承しながら、ストラヴィンスキーの叙情性すら感じさせる新たな一面を描き出すこと。それがガッティの仕事なのだ。
録音もヤンソンス時代とあきらかに変わっている。圧縮音源なら大きな音と同時に鳴っている小さな音は人間の聴感では聴きとりづらいのでカットする……これが常識だが、ハイレゾはまったく逆で、大音量の中の微細な音まで漏らすことなく拾い上げる。解像度の高いスピーカーならそれを克明に再現できるだろうし、鋭敏な聴感を持つ耳ならそのすごさを聴き取ることができるに違いない。まさにハイレゾの醍醐味ここにあり！
今回は352.8kHz/24bit/2ch音源に加え、192kHz/24bit/5.0ch音源でも試聴しているが、とくにサラウンド再生時のリアリティは圧巻だ。まるでホールで聴いているような空間表現と、ステージ上の楽器の左右位置、前後位置までたしかに聴きとれる。やや奥のほうからトランペットやトロンボーンなどの金管楽器が渋い輝きで伸びてきて、その前で木管の軟らかく温かみのある音色が彩りを加え、ヴァイオリンは高音域でもまったく荒れることがなく、低弦楽器の分厚く力強い響きがすばらしい。最上級のオーケストラ音だと絶賛したい。
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2012年、20年ぶりにチェコ・フィルの首席指揮者に就いたイルジー・ビエロフラーヴェク。誰もが“これで再びチェコ・フィルの黄金期がやってくる”と思った。そんな音楽ファンの期待に応えるかのように、Deccaレーベルからドヴォルザークの交響曲、協奏曲の全集、スターバト・マーテルと驚異的な仕事ぶり。それまでの空白を取り戻そうとしたのだろうか。もう時間がないとわかっていたのだろうか。そして2014年の5月、音楽祭「プラハの春」のオープニングを飾ったスメタナの「わが祖国」。コンサートと並行して収録された96kHz/24bit音源だ。
ビエロフラーヴェクの指揮は奇をてらったものではなく、あるいは作品の構造を分析的に描く方向でもない。すべての楽器が呼応し融合して、美しい響きとなって流れていく。最近では垂直の線をシャープに揃え、それを伸縮させることで活気を生み出す演奏が多いが、彼の目指す方向とは違う。彼はむしろ水平の線を絡ませ、巧みに浮き沈みさせることでハーモニーの色彩を作り出す。ターリッヒ、アンチェル、ノイマンといった歴代の指揮者が築き上げた伝統のチェコ・フィル・トーンを大切にしたいのだ。録音も、そうした指揮者の意図を十分理解しており、メリハリやシャープさ狙いではなく、馥郁としたオケの響きと各パートのデリケートな色合いの変化をみごとにとらえており、“ああ、チェコ・フィルって、こんな音を出すんだ”と再認識させられる。ボヘミアの大地とモルダウの流れを愛し、民族の歴史に誇りを抱き、英雄たちの物語に畏敬の念を捧げる……そんな演奏に誰もが心打たれるに違いない。ビエロフラーヴェクは2017年5月、ガンとの闘い空しく71歳でこの世を去った。
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シューベルトの傑作と評価されながら、全6楽章、約65分の長丁場に閉口してしまう音楽ファンもいるのではないだろうか。弦楽四重奏にコントラバスを加えた弦楽器群に、クラリネットとファゴット、ホルンと役者は揃っているものの、それぞれの役者がよほど個性豊かでないと退屈してしまうかもしれない。でも、この音源は別格だ。とにかくクラリネットの語り口が抜群なのだ。エマ・ジョンソンはイギリスを代表する奏者で、録音もたくさん行なっているが、何故か日本での知名度は高くない。彼女が22歳の頃にイギリスのASVレーベル（当時は有力だった）に録音した「La Clarinette Fran��aise」など、それまで聴いたことがないほどフレッシュで、しなやかに揺れる情感豊かな音色に感激したことを覚えている。あれから30年近く。円熟の頂点にあるエマ・ジョンソンが、2014年にサウサンプトンのターナー・シムズ・コンサートホールで腕利き仲間とともに演奏したライヴ録音だ。ここでもクラリネットがすばらしい。次々とあふれ出す美しい旋律を多彩なテクニックで繋いでいくのだが、その何と愉しげなこと。3本の管楽器の呼吸もいい。四角四面の精緻さよりも互いが自在に歌い合い、弦楽器も巧みに出たり入ったり。演奏が終わったときの拍手とブラボー。ステージ上に漂う緊張感と愉悦感が聴衆を包み、すばらしい時間が流れていたのだ。
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こんな音源に出会えるとは思っていなかった。録音は2006年で、2007年にはCD化されていたようだが、今回は192kHz/24bitでの配信だ。「乙女の祈り」といえば、ピアノを習う人なら誰もが知っている。でも日本人にこれほど愛されているのに、「乙女の祈り」以外にどんな曲があるのかなど、作曲者テクラ・バダジェフスカについてはほとんど知られていない。第2次大戦で資料が消失してしまったこともあり、彼女にはとても謎が多い。生年にはいくつかの説があるが、どうやら1829年ポーランドに生まれ、1861年に32歳の若さで亡くなったというのが正しいようだ。本格的な音楽教育は受けなかったものの、サロンのピアニストとして、また作曲家として活動していたらしい。22歳のときに「乙女の祈り」を作曲。楽譜は版を重ね、さらにパリの音楽雑誌の付録として楽譜が掲載されたことで、100万部を超える世界的なヒット曲になったのだった。それなのに素人芸だ、才能のない女性だ……などと辛辣な評価を受け、故国ポーランドではすっかり忘れ去られてしまった。150年以上も前に、ライトクラシックやイージーリスニングの先駆けとしてミリオンセラーを記録した曲は他にない。“乙女”は“聖母マリア”のこと。聖母マリアの物語に憧れた若い女性の無垢な心を美しい旋律で表現したバダジェフスカ。再評価されていい。
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モーツァルトのオペラを管楽器のアンサンブルで演奏すると何故か面白い。ホルンでブッブッ……と勢いよくリズムを刻むところへオーボエの艶やかな音色でアリアが入る。それにファゴットやクラリネットが加わる……それらの音色がはっきりしていて、そのコントラスト感には声楽とは別の味わいがある。モーツァルトだって、そう感じていたんじゃないだろうか。じつは「後宮からの誘拐」も、初演が大成功するとすぐに管楽アンサンブルへの編曲が求められたらしい。当時のウィーンでは室内だけでなく屋外でも演奏できる小編成の管楽アンサンブルによる“ハルモニームジーク”が流行していたという。モーツァルト自身も父レオポルトへの手紙で“ハルモニームジーク”への編曲を準備したと書いている。ただ、その楽譜は行方不明。ところが1984年にオランダの音楽学者バスティアン・ブロムハートが編纂した楽譜、それがドナウエッシンゲンのフュルステンベルク宮廷図書館のアーカイヴから発見されたもので、どうやらモーツァルトによる編曲の写しらしいというのだ。これはすごい。演奏はラ・シンティッラ・デイ・フィアーティで、チューリッヒ歌劇場のメンバーがピリオド楽器を使って演奏するアンサンブルだ。ちょっとレトロな18世紀の雰囲気がとても愉しい。おまけに録音が優秀で、「序曲」など20kHz以上までかなりなレベルで入っている。さすがハイレゾだ。ちなみに「Solo Musica」は、元ベルリン・フィルのオーボエ奏者シュレンベルガーが立ち上げたレーベル。こだわりのタイトルがズラリと並んでいる。
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