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ノイズって“いい音”、スティーヴ・アルビニが録音したベン・フロストの新作文／國枝志郎
スティーヴ・アルビニ。これがこの作品のキーワードだ。もともと自身ビッグ・ブラックやレイプマン、シェラックといった名義でノイジーなロックをプレイするいっぽう、プロデューサー／エンジニアとしてもニルヴァーナをはじめとしてウェディング・プレゼント、モグワイといった轟音ロック・バンドを手掛けて成功を収めたアルビニは、ロック畑ではある種の神的存在として絶対的な信頼を誇っている。が、いっぽうで彼は大のクラブ・ミュージック嫌いとして有名でもあるのだ。2015年にインダストリアル・テクノ・アーティストのPowellがシングル「Insomniac」でビッグ・ブラックのサンプリングの許可を得るべくアルビニにメールしたところ、使用に関してはOKとしながらも、「自分は君の敵だ。俺はこの地球上の何よりも深くクラブ・カルチャーを憎んでいる」というメッセージが来たのだという。正直恐ろしい話とも言えるのだが、ここでとりあげるベン・フロストもフィールドはあきらかにロック畑というよりはクラブ・カルチャー寄りだろう。しかもこちらはサンプリングではなく、エンジニアとしての起用なのだ。この『The Centre Cannot Hold』は、オーストラリア生まれ、現アイスランド在住のベン・フロストにとって4作目のアルバムであり、また電子音楽家にとっては憧れのレーベルのひとつであろうMuteからの『オーロラ』（2014年）のヒットに続く作品である。前作も大きな注目を集めたが、本作は前述したようにアルビニを起用したという時点ですでにある層の爆発的な反応が予想されていたのだ。内容は音楽雑誌やサイトなどのレビューを読んでいただきたいが、ここではやはりその音楽をハイレゾ（今回はベン・フロストにとっては初のハイレゾである。スペックは48kHz/24bit）で聴くという意味が重要だ。シカゴにあるアルビニのスタジオ“エレクトリカル・オーディオ・スタジオ”で録音されたものはおそらくすべてがそうらしいのだが、基本的にラインからHDに直接録音するのではなく、アンプを通してスタジオにスピーカーから音塊を解き放ち、そのルーム・アンビエンスを生かしてアナログ・レコーディングしているのである。うむ、まさにハイレゾにうってつけではないか（笑）。いや、笑ってますけどかなりまじめにそう思います。ノイズってじつはすごく“いい音”なんだって実感させられること間違いなしです。ノイズを浴びる快楽に浸るべし。
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突然舞い降りた奇跡！ 酔いどれ吟遊詩人（ステレオタイプっぽいけどこれほどこの呼び名がふさわしいひともほかにはいないでしょう）トム・ウェイツのアンタイ（ANTI）レーベルからの諸作がついにハイレゾで聴けることになった！ じつは現時点での最新作となる『Bad As Me』（2011年）については、ひっそりと一足先にハイレゾ化されていたのだけれど、今回はその最新作も含めてアンタイ時代のアルバム5枚がリマスターを施されたうえでハイレゾ化された。ライヴ盤である『Glitter and Doom Live』（2009年）のみ48kHzで、そのほかのスタジオ・アルバム『Mule Variations』（1999年）、『Blood Money』（2002年）、『Alice』（2002年）、『Bad As Me』（2011年）は96kHz/24bitというスペックだ。理由は不明なのだが、残念ながら『Real Gone』（2004年）と『Orphans；Brawlers, Bawlers & Bastards』（2006年）のハイレゾ化は見送られている。ここではキース・リチャーズやロス・ロボスのデイヴィッド・イダルゴ、レッド・ホット・チリ・ペッパーズのフリーらのゲストが起用された現時点でのスタジオ最新作である『Bad As Me』を取り上げておこう。今回は通常盤（13曲）とデラックス・エディション（16曲）の2種、そしてリマスター前のオリジナル・ヴァージョンも併売されているという状況で、なおかつ今注目のMQA（データ量を抑えつつ高音質という新しい技術による革新的高音質配信）データもあるが、これもなぜかリマスターではないオリジナル音源をもとに作成されているようなので、ファンとしてはなかなか悩ましい選択となりそう。ちなみに96kHzデータを新旧聴き比べてみたところ、リマスターのほうがピークが抑えられ、聴きやすくなった印象がある。まあ、とはいえこの希有なしゃがれ声をハイレゾで堪能できると思えばそのへんはもうお好みでどうぞ。この調子でアサイラム／アイランド・レーベル時代のアルバムもハイレゾ化熱望！ そう思ってる者は100万人は下るまい。
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Sound Furnitureの4作目のアルバム『Live at CAMP Off-Tone 2015』のすばらしくナチュラルな響きに僕はすっかり魅せられてしまい、当欄で紹介させていただいたのは数ヵ月前のことだったはずだが……なんと彼らの快進撃はいっこうに止まることなく、この夏にはさらに3枚のアルバムがリリースされてしまった……。配信のみということもあるのだろうが、ちょ、ちょっと待ってくださいよという感じです（苦笑）。しかもそれがどれも素晴らしいときた日にゃ……。Sound Furnitureの頭脳、藤枝伸介のクリエイティヴィティは今、絶好調ということなのだろう。8月15日にまずオーケストラ編成の92分という長尺のライヴを収めた『Orchestra in Park Ambient』（黄色い満月のジャケット）、22日にそれと対になるソロ主体の『Afternoon in Park Ambient』（同じ満月だが、こちらはブルーに彩られている）がリリースされた。この2枚は2016年に横浜象の鼻テラスで開催し好評を博した“Park Ambient”でのライヴ録音。そして続く9月6日に『In/Lay』と題されたアルバムが、いずれも48kHz/24bitというスペックで配信となった。この『In/Lay』は、2016年秋に清澄白河のカフェ“Gift_Lab”にて開催された枯山水サラウンディング主催“蟲聴きの会”でのSound Furnitureによるパフォーマンスとその際のライヴ・レコーディング音源、フィールド・レコーディング音源をベースに作成されている。枯山水サラウンディングを主宰する内田学もじつはWhy?Sheepというユニットで活動するミュージシャンであるが、ここ数年こうした“蟲聴きの会”（会場にスズムシやコオロギのかごを持ち込み、音楽と自然音を同時に体験するイベント）を精力的に展開している。そのイベントにこのSound Furnitureはまさにこれ以上はないというにふさわしい極上の組み合わせであり、また結果としてのこのアルバムはSound Furnitureの作品の中でももっともすばらしいサウンド・インスタレーション作品になったと言えるのではないだろうか。冒頭からずっと音楽に混じってコオロギの鳴き声が鳴り続けるが、最後のトラック「Whispering」に至って音楽はついに沈黙し、コオロギの鳴き声だけが残響のように……。至福。
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ピアニスト、伊藤志宏のピアノ・トリオ・アルバムが素晴らしくて毎日聴いている。ジャズ、ラテン、そして映画音楽までを手がける伊藤志宏はじつはこれまでにも私的ハイレゾ・シーン（笑）では重要なアーティストであった。思い起こせば2013年、U.F.O.の松浦俊夫率いるHEXがブルーノートからアルバムをハイレゾでリリースしたが、そこに参加していたことで僕は伊藤の名前を知ったのである。その後も伊藤のハイレゾ作品はこちらも優れた色彩感を持つギタリスト藤本一馬とのデュオ作品『Wavenir』（これはDSD5.6配信もあって非常にすぐれた音響作品でもあった）、それからランブリング・レコーズからのソロ作品2タイトル（『ヴィジオネール』と『Ladies & Pianoman』）があり、いずれもハイクオリティなサウンドもさることながら、ジャンルを超越した幅広い音楽性が僕の耳と心をぐっとつかんで離さなかったのだった。そんな伊藤のニュー・アルバムはメジャーのポニー・キャニオンからのリリースで、メンバーはピアノの伊藤に加え、ベテラン・ベーシスト坂井紅介、パーカッションの大儀見元。ジャケットには“トリオ・シンクレティア”の文字があり、これがユニット名なのだろう。安定した坂井のベースと、ラテン・ジャズ・バンド、オバタラ・セグンドでの仲間でもある大儀見の多彩なパーカッションに、時にリリカルに、時にアヴァンギャルドな展開も見せつつ絡み合う伊藤のピアノが、空間性を感じさせるハイレゾ音響（96kHz/24bit )の中で自在に鳴り響く。オリジナル盤『毒ある寓話』はラスト・トラックの「Valse Hot」（ソニー・ロリンズ作）以外はすべて伊藤のオリジナル作品で構成されている。またこのアルバムには配信限定の文字どおりの別テイク集『毒ある寓話 別テイク集』がリリースされていることも見逃せない。オリジナル『毒ある寓話』の7曲の興味深い別テイクに加え、そちらには収録されていないナンバー「緑青」が含まれているので、こちらもあわせて聴くとさらに幸福度アップ間違いなし。
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ベルギー出身のクラシック・ピアニストとして出発しながら（デビュー作はグレン・グールドを彷彿させるJ.S.バッハの『ゴルトベルク変奏曲』だった）、名門ジュリアード音楽院在学中にハウスやテクノなどのエレクトロニック・ミュージックに目覚め、クラシック・ピアニストとしての地盤を固めながら電子音楽の世界にも乗り出し、デトロイト・テクノの巨匠デリック・メイやカール・クレイグとの共演も果たしてその両者との共演アルバムまで作ってしまったトリスターノのような演奏家の存在は、実際非常にレアなケースだろう。しかしいっぽうでそれもまた非常に21世紀的な演奏家のあり方であるとも言える。クラシックの名門レーベル、ドイツ・グラモフォンから『バッハケージ』『ロング・ウォーク』という2枚のソロ・アルバム（どちらもバッハと近現代作品を組み合わせている）と、アリス＝紗良・オットとのデュオ『スキャンダル』（ストラヴィンスキーの「春の祭典」を中心としたプログラム）という、どちらかというとやはりクラシック寄りの作品集を出しつつ、デリック・メイが主宰するトランスマット・レーベルから電子音楽作品『サーフェス・テンション』を2016年末にリリースした後、トリスターノは電撃的にソニー・クラシカル・レーベルに移籍を果たした。クラシック・レーベルからの移籍第1弾なのに、なんとほぼ全曲が自作からなる作品集というところに、彼が今見据えている未来が見える気がする。クラシックも電子音楽もロックもジャズも、すべてひとつの“音楽”の名の下に彼の指先から紡ぎ出されるべきである……そういった意思が音から見えてくる作品集と言えるだろう。一種の無言歌のような（そう、メンデルスゾーンやフォーレのような質感が実際にあるのだ）メロウな響きの中に、きわめてモダンで冷徹なまなざしが感じられる。それはこれまたピアノ界の異端児、チリー・ゴンザレスをパートナーに迎えたナンバーが含まれていることでさらにはっきりしたものとなる。トリスターノでなければ出せない美しくて厳しい響きは、ハイレゾ（44.1kHz/24bit）でこそその真価を発揮できる。
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マルケヴィチの70年代アナログ録音がハイレゾでクリアに文／長谷川教通
何だろう、この不思議な感覚の旋律は？ 現代の弦楽四重奏曲なのだが、ヨーロッパとアジアが入り混じったような響き。作曲は1957年アルメニア生まれのペトロス・シュージュニアンだ。母国でヴァイオリンと作曲を勉強し、その後カナダに移り、そこで研鑽を積んだ作曲家。日本ではほとんど知られていないが、19世紀末と20世紀初頭の2度にわたって、オスマン帝国領内でアルメニア人に対する大量虐殺が起こったという。それから100年、作曲家は祖国への想いを込め、5世紀から15世紀にかけてアルメニアに伝わる礼拝の歌を素材に4曲の弦楽四重奏曲を書いたのだった。それぞれの作品は各楽章にアルメニアを流れる川の名前がつけられている。川は大地を肥やし作物を生み、人の命を支える。アルバム・タイトルの『Noravank』はアルメニアの南部に建つアルメニアの至宝と呼ばれる修道院で、作曲家のインスピレーションの源泉となった場所。曲は静謐な祈りそのものであり、また人々の生きる喜びの声でもあり、湧き上がる生命のほとばしりなのだろう。演奏するのは現代音楽を中心に活動するカナダのモリナーリ弦楽四重奏。時代の最先端を駆けるアンサンブルだ。アルメニアの風土、宗教、歴史……何より、そこに生きる人々に深く根ざした音楽に、聴き手は心癒やされ、魅せられるに違いない。
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まずは聴いてみてください。ただし「セクエンツァIII」で拒絶反応を起こしてしまうかもしれません。ベリオが書いた難曲だが、「こんな奇声や雑音は生理的にダメ」という人にはオススメしない。それにしてもすごい。呟きから声を転がし、口腔で共鳴させ、笑い声から叫びまで、あらゆる声を駆使する9分間。知的で狂気で官能的。今が旬のソプラノ、バーバラ・ハニガンだ。しかも声だけじゃない。「ルル組曲」で聴かせる濃密な表情。退廃の香りを漂わせながらオケの響きは透き通り、ルルのイメージを鮮明に浮き上がらせる。歌い振りする彼女の表現は激しく感情移入したものであり、暴力的なまでのクライマックスを生み出す一方で、音楽はあくまで美しい。高揚する感情の背後からじっと見つめる少女のようなピュアな視線。その二面性に気づいたときの身震いするような衝撃……この作品のもつ“破滅”の意味をかい間見た気がする。ラストはガーシュウィンの「ガール・クレイジー」からの組曲。これらのプログラムを結びつけるもの。それはハニガン自身の奥底に潜む少女性なのかもしれない。
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これは、かなりレアな音源。マルケヴィッチと言えば鋭い眼光とわし鼻が印象的で、日フィルに客演した頃の姿が目に焼き付いている。日本の音楽ファンには1959年のフィルハーモニア管との「春の祭典」が定番だが、この「展覧会の絵」は1973年にライプツィヒ・ゲヴァントハウス管を振った録音だ。当時はまだ東西ドイツの時代。東ドイツ国営のドイツ・シャルプラッテンのエテルナ・レーベルからリリースされて話題になった音源。ひさしぶりに聴き直してビックリ。96kHz/24bitのハイレゾ・リマスターによって、ものすごく楽器の音色がクリアに再現されているではないか。「プロムナード」のトランペットから弦合奏……独特のアクセントを効かせた演奏は、原曲のピアノを意識したのだろうか。切れ味鋭く、音量の上げ下げやテンポの動かし方が巧みで、音楽の展開がダイナミック。曲ごとに描き出されるコントラストの鮮明さ。荒々しさや迫力だけに頼った単調な演奏とは一線を画している。さすが第一級の指揮者。録音の良さもあるが、ステレオ音場が広大で各楽器の音像位置が明瞭で、いかにも70年代のアナログ録音だという風合いがいい。「はげ山の一夜」もすばらしい。マルケヴィッチが亡くなって30年以上が経過したが、今もコアなファンに愛される理由がわかる気がする。
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ショパンのピアノ協奏曲では、オーケストレーションが巧くないものだからオケの響きが薄くなりがちだ、などと言われることが多い。もちろん優れた指揮者ならそんなことは百も承知で、オーケストラのバランスを巧みに制御するわけだが、プレトニョフのようなピアニストでもあり指揮者でもあり、そのうえ編曲までもこなすマルチな才能の持ち主なら、もっと鳴るように手を入れればいいと考えても不思議はない。響きが厚くなり、ピアノが同じパターンを繰り返す部分を一部管楽器に受けもたせたりと……。この協奏曲はプレトニョフ編曲版による初録音だ。ピアノはダニール・トリフォノフ。2010年のショパン・コンクール3位は本人にとっては不本意な成績だったかもしれない。しかし、その後の飛躍ぶりは目覚ましい。ルービンシュタインとチャイコフスキーのコンクールを立て続けに制覇し、繊細さに逞しさを加え、いまやトップレベルのピアニスト。しかも指揮がプレトニョフとくれば月並みな演奏などするはずがない。「あれっ、こんな音あったっけ」「こう来たか」などと、凝りに凝った演奏に興味津々だ。プログラムもショパンをメインに、シューマンやグリーグ、モンポウなど、ショパンへのオマージュと言える作品を並べ、まさにピアノ音楽におけるショパンのもたらした革新性をエヴォケーションするアルバムに仕立てている。
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モーツァルトのヴァイオリン・ソナタって、ヴァイオリンのオブリガード付きピアノ・ソナタだなどと言われたりする。音の数でも響きの多彩さでも、たしかにピアノが大活躍する。じゃ、ヴァイオリンはただの添えものなの？ それは違うでしょう。漆原啓子とヤコブ・ロイシュナーによる作品全集が192kHz/24bit音源で配信された。CDにすれば6枚分にもなる大仕事だが、これはぜひハイレゾ音源で聴いてほしい。たとえばK.302の第1楽章。冒頭ではヴァイオリンとピアノが対等にフォルテで入るとすぐにピアノのソロ、繰り返しでは同じくフォルテで弾き、今度はヴァイオリンが旋律を受け持つ。ピアノが軽やかなフレーズを奏でているときヴァイオリンがまるで通奏低音のように響きを支え、ヴァイオリンが伸びやかな旋律でスーッと出てくるとピアノがさっと支えに回る。この呼吸合わせがすばらしい。2人の出会いは2009年ライプツィヒでの偶然の共演で、そのときに響き合うものがあって、それ以後最良のパートナーとして機会あるごとに演奏している。どちらが主役でもうまくいかないのがモーツァルト。なぜハイレゾで聴いてほしいかといえば、彼らが互いの呼吸を感じながら音楽を作り込んでいく、そのわずかなタッチや音色の変化がくっきりと聴こえるからだ。わずかな音情報までも消えることなく拾い上げることができるハイレゾならではの聴きどころだ。いまや円熟の時を迎えた漆原の音色は繊細で表現も豊かだ。よく歌うロイシュナーのピアノと素敵なアンサンブルを展開する。モダン楽器による彩りの美しいモーツァルト。
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